Fotograma de la película Mirror (1975) de Andrei Tarkovsky | Foto: difusión
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Celebramos la obra de uno de los cineastas más enigmáticos del cine universal, Andrei Tarkovsky. En su mes aniversario te compartimos 10 películas indispensables para el director ruso.

En una entrevista con Naum Abramov en 1970, Andrei Tarkovsky describió el cine como «una forma de arte que solo un pequeño número de directores ha dominado, y se puede contar con los dedos de una mano». Un artista abierto que veía enfáticamente el cine como un medio equipado para responder a las innumerables preguntas que la vida plantea, podría ser crítico con otros cineastas. Mostró antipatía por las teorías de los primeros cineastas soviéticos y a menudo se le podía escuchar despreciando el trabajo de sus contemporáneos.

Sin embargo, también fue un ávido escritor, mantuvo diarios durante sus filmaciones y a menudo escribió sobre el papel del cine en la sociedad moderna. En sus escritos, los mismos nombres continuaron apareciendo, con cineastas como Robert Bresson , Ingmar Bergman y Kenji Mizoguchi, parte de un panteón de autores muy exclusivo que admiraba. Se mencionaron otros, pero muy pocos hicieron el corte. Su adoración por otros directores y sus películas siempre fue medida y a menudo acompañada de alguna forma de crítica. Elogió a Kurosawa como uno de los mejores directores del mundo, pero no tuvo miedo de criticar lo que consideró que eran efectos especiales de calidad inferior en el final de Throne of Blood .

Incluso elogió The Terminator (1984) de James Cameron diciendo que su «visión del futuro y la relación entre el hombre y su destino está empujando la frontera del cine como arte». Sin embargo, siguió criticando la «brutalidad y las bajas habilidades de actuación de la película».

La siguiente lista tiene como objetivo mirar detrás del espejo, iluminando algunas de las películas que ayudaron a dar forma y gestar el lenguaje cinematográfico único de la obra colectiva de Tarkovsky. En algunos casos, la influencia se destaca con sorprendentes similitudes estéticas, para otros la inspiración es más oblicua, por capas en las ricas texturas temáticas de su trabajo. Sin embargo, cada una de las películas enumeradas a continuación, y los directores que las crearon, jugaron un papel en la configuración de la firma distintiva de Tarkovsky.

10.  Earth (1930) –  Alexander Dovzhenko

“Si uno necesita compararme con alguien, debería ser Dovzhenko. Fue el primer director para quien el problema de la atmósfera era particularmente importante». – Andrei Tarkovsky

Según comentó, en la víspera de cada nuevo trabajo, Tarkovsky volvió a mirar Earth de Alexander Dovzhenko . Durante el rodaje de Mirror, fue un paso más allá, en pre-producción sembró un campo de trigo en un intento de recrear tanto sus propios recuerdos de la infancia como los paisajes fascinantes de Dovzhenko. El resultado es una de las escenas más célebres de la película, una fusión perfecta de memoria y sueños: un médico se levanta del suelo y una ráfaga de viento milagrosa ondula a través del campo de trigo hacia la cámara.

9. City Lights (1931) – Charles Chaplin

En 1972, cuando el crítico de cine Leonid Kozlov le pidió que enumerara sus diez mejores películas, Tarkovsky colocó City Lights de Charles Chaplin en el numero cinco. Tarkovsky creía que el pasado silencioso del cine era un preludio de lo que él consideraba una película «real». Sin embargo, la inclusión de City Lights en esta lista apunta a su admiración por la autorrealización de Chaplin como director.

Tarkovsky admiraba la eficiencia del trabajo de Chaplin y cómo su uso del minimalismo refinó su realización cinematográfica. Las películas de Chaplin también provocan una espiritualidad un tanto esquiva y es esta comprensión de la capacidad de la cámara para registrar las permeaciones sutiles del espíritu humano lo que conecta su trabajo con el de Tarkovsky. Sus personajes, cuando se observan en extasis, no son tan diferentes, igualmente perdidos en un mundo que se siente extraño para ellos, buscando respuestas mientras la cámara busca un significado más alto.

8. L’Atalante (1934) – Jean Vigo

La influencia de Jean Vigo es evidente en la construcción del espacio de Tarkovsky. Él creía que la película debería ser una arena emocional, donde un director debe transmitir lo que ha experimentado, no construido. También creía que mise-en-scène debería permitir al espectador interpretar su propia lectura.

Tarkovsky citó una escena al comienzo de L’Atalante de Vigo , donde los recién casados ​​caminan desde la iglesia hasta su barcaza, cruzando alrededor de tres grandes pajares en su camino. «¿Que es esto? ¿Un ritual, un baile de fertilidad? preguntó Tarkovsky. “No, el episodio es significativo no para una narración literaria, no en su simbolismo, no en su metaforicidad visual, sino en su existencia concreta saturada. Vemos una forma llena de sentimiento «.

7. Diary of a Country Priest (1951) –  Robert Bresson

Aunque los estilos de Tarkovsky y Bresson eran estéticamente diferentes (Tarkovsky favorecía las tomas largas sobre el estilo fragmentado de Bresson), admiraba enormemente el compromiso de Bresson con el realismo. Tarkovsky nombró a Diary of a Country Priest como la mejor película que había visto, enamorado de la capacidad de Bresson de prescindir de exageraciones innecesarias en su búsqueda de la verdad.

La teología cristiana era un tema recurrente para ambos directores, con la angustia espiritual y los sacrificios personales soportados por aquellos que habitaban un mundo materialista central para la obra de ambos directores. Sin embargo, es en sus películas finales donde se observan mejor estas similitudes. L’Argent y Sacrifice son resúmenes poéticos de la búsqueda de gracia en un mundo bárbaro de cada director.

6. Ugetsu Monogatari (1953) – Kenji Mizoguchi

Las largas reflexiones de las películas de Kenji Mizoguchi y la pureza de sus imágenes fueron una influencia estética en el trabajo de Tarkovsky. En una entrevista con Télérama en 1979, Tarkovsky admitió que una escena en Andrei Rublev , donde el príncipe ruso intenta alcanzar al Tártaro, podría confundirse fácilmente con un extracto de una película de Mizoguchi, Ugetsu Monogatari siendo un ejemplo por excelencia.

«La calidad de la imagen en blanco y negro, el paisaje, la opacidad del cielo nublado tiene un extraño parecido con un paisaje chino dibujado a tinta […] Es una escena que no tiene nada que ver con la trama de la historia. Intenta expresar el estado de un alma ”. Tarkovsky incluyó a Mizoguchi en una pequeña categoría de cineastas que se esforzaron por crear sus propios mundos. Los llamó los poetas del cine, un término aplicable a su propia experiencia del cine.

5. Throne of Blood (1957) – Akira Kurosawa

Tarkovsky no era un fanático particular del Throne of Blood. No le gustó cómo Akira Kurosawa «copió la trama de Shakespeare de una manera superficial» como lo expresó, pero era un admirador del trabajo del director en su conjunto. Incluso se ha rumoreado que un AK marcado en una pared en Stalker es un sutil homenaje a su influencia.

Hay una escena en  Throne of Blood que Tarkovsky admiraba. Cuando el ejército de Washizu se pierde en la niebla, Kurosawa usa un árbol memorable para transmitir su desorientación. La vista recurrente de este mismo árbol deja en claro que los jinetes han estado dando vueltas en círculos. Tarkovsky veneraba la habilidad de Kurosawa para articular su confusión a través de la puesta en escena y los simples movimientos de la cámara en lugar del diálogo.

4. Nazarín (1959) – Luis Buñuel

En Sculpting in Time, el libro de Tarkovsky sobre sus propias películas y el papel del arte y el cine, describe a Luis Buñuel como «el portador, sobre todo, de la conciencia poética», y colocó a Nazarín en el número tres en su lista de los diez de 1972. Las mejores películas jamás hechas. Buñuel es mejor conocido por su surrealismo iconoclasta. Sin embargo, fue la elevación del discurso cinematográfico de Buñuel desde las realidades de la vida cotidiana lo que inspiró a Tarkovsky.

Creyendo que el espectador debería involucrarse con una película de una manera completamente onírica, Tarkovsky admiraba la juguetona yuxtaposición de imágenes de Buñuel, algo evidente en la estructura no lineal de Mirror y Stalker, donde Tarkovsky emplea las cualidades mágicas de The Zone para interrumpir tanto el tiempo como el espacio.

3. L’avventura (1960) – Michelangelo Antonioni

En la novela Zona de Geoff Dyer, un sincero viaje a la fascinación del autor con Stalker de Tarkovsky, utiliza L’avventura como un ejemplo de una película de arte típica y larga de Europa, antes de continuar expresando su desdén por la película. La ironía detrás de la inclusión de Dyer de L’avventurra es que Tarkovsky, a quien representa con una adoración casi piadosa, lo describió como una película milagrosa en un artículo para Sight & Sound en 1983.

La influencia de Antonioni en Tarkovsky es quizás mejor observada en Nostalgia (que fue escrito por el colaborador habitual de Antonioni, Tonino Guerra) Tarkovsky, como Antonioni, drena la acción del marco y obliga a la audiencia a iniciar un tipo diferente de relación con el protagonista y, a su vez, habitan más de cerca el interior del personaje.

2. Winter Light(1962) –  Ingmar Bergman


Hay varios elementos del trabajo de Tarkovsky que fueron influenciados directamente por Ingmar Bergman. Sin embargo, fue el uso expresivo del sonido y el silencio del director sueco lo que más le inspiró a Tarkovsky. Admiraba su uso del silencio para establecer un vacío sin Dios en un mundo cada vez más materialista y su capacidad para destacar sonidos particulares para amplificar su significado.

Un ejemplo que citó es el momento cuando se encuentra el cuerpo del pescador en Winter Light. El sonido del agua de la corriente vecina es el único sonido que se escucha, llenando el vacío con un espacio para interrogar la crisis espiritual de su protagonista. Tarkovsky usaría el mezclador de sonido de Bergman, Owe Svensson, en su película final, y más del tipo de Bergman, The Sacrifice.

1. The Colour of Pomegranates (1969) – Sergei Parajanov

Sergei Paradjanov dijo una vez que si no hubiera sido por Ivan’s Childhood, nunca habría hecho nada. La influencia de Tarkovsky es evidente en todo el trabajo de Paradjanov, sin embargo, fue una admiración recíproca, con la belleza paradójica y el espectáculo onírico de las películas de Paradjanov una gran influencia en las películas posteriores de Tarkovsky.

La convergencia poética de la objetividad del autor y la subjetividad de los protagonistas en The Color of Pomegranates es una clara influencia tanto en Nostalgia como en The Sacrifice, con ambos directores dando a su dolor interno una forma poética en el sufrimiento de sus protagonistas.

Vía BFI

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